La Galería Fernando Pradilla presenta la última exposición de la temporada 2011, inaugurando la muestra colectiva “Lenguajes en papel 2012”, en la que participan los artistas Alejandro Bombín (Madrid,1985), Starsky Brines (Caracas, 1977), Juan Francisco Casas (Jaén, 1976), César Delgado (Madrid, 1961), Salvador Díaz (México D.F., 1977), Victoria Encinas (Madrid,1962), Emilio Gañán (Plasencia, 1971), Germán Gómez (Gijón, 1972), Moisés Mahiques (Valencia,1976) y Diego Vallejo (Salamanca, 1986). Todos ellos abordan desde lenguajes y técnicas propios las posibilidades expresivas de este soporte, no ya como sustento o estado previo a su trabajo, sino como la obra en sí misma, con entidad definida y trascendente.
Las obras que se agrupan en la muestra destacan por su diversidad temática y técnica. De esta manera, encontramos fotografías que conjugan impresión y dibujo en las obras de Germán Gómez; dibujos con bolígrafo Bic en los trabajos de Juan Francisco Casas; acuarelas en las composiciones de Alejandro Bombín; pastel y pintura industrial en las obras sobre papel de Starsky Brines; tinta china en las piezas de Victoria Encinas; óleo en los trabajos de pequeño formato de Diego Vallejo, en los de Salvador Díaz y en las Estampas intervenidas de Emilio Gañán; acrílico en el caso de César Delgado o lápiz y tinta en el de Moisés Mahiques. El papel es en todos ellos el eje a partir del cual se articula la composición, y la diversidad va desde el tipo hasta el gramaje: papel Somerset Velvet de 330 gr., papel Fabriano 240 gr., papel Canson blanco, entre otros.
La figura humana, abordada desde concepciones distintas y particulares, el paisaje y la abstracción de carácter lírico o geométrico, son los temas esenciales en las obras de los 10 artistas que participan en esta exposición, y transitan desde las lecturas críticas a la sociedad contemporánea, pasando por la recreación del arbitrio, el absurdo o el hedonismo, hasta los replanteamientos e indagaciones sobre la propia esencia pictórica y su léxico plástico.
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| SOLEDAD LORENZO |
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| SERGIO PREGO |
| 1 de diciembre - 14 de enero |
| Mañana jueves 1 de diciembre, a partir de las 20:00 h, la galería Soledad Lorenzo presenta la exposición individual de Sergio Prego. Sergio Prego colabora con la galería Soledad Lorenzo desde el año 2002. En sus dos anteriores exposiciones presentó vídeos, esculturas e instalaciones todos con un carácter experimental como denominador común. Dentro del proyecto que realizó junto a Txomin Badiola y Jon Mikel Euba titulado PRIMER PROFORMA 2010 en el MUSAC- Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, Prego desarrolló, de forma extensiva, una serie de trabajos con estructuras neumáticas emparentadas con el trabajo que presenta en esta ocasión en la galería. (Estos ejercicios experimetales pueden ser contemplados en la página web del proyecto:www.primerproforma2010.org). Asimismo y para la 41ª edicion de Art Basel dentro del apartado Art Unlimited 2009 Sergio Prego, presentó la obra Ikurrina Quarter. Dicha instalación consistía en un cilindro neumático en forma de corredor de 2.5m de diámetro y 120m de largo cuyo interior podía ser transitado por el visitante. Para esta ocasión, Sergio Prego inunda el espacio expositivo con un cilindro neumático que ocupa por completo la galería. El visitante podrá transitar el espacio expositivo, desde el interior del cilindro. Se trata de una estructura neumática preso-estática de 40 m de longitud y 16 m de perímetro, con una entrada /salida en cada uno de sus dos extremos, que habita el espacio de la galería desbordándola, amoldándose a su interior simultáneamente. La estructura extiende su membrana presionando suelo, paredes y techo. La especificidad de este espacio produce una sensación de irrealidad y abstracción, fruto de la trasgresión de las convenciones arquitectónicas. La instalación, plantea una serie de cuestiones en relación con la escultura (la estructura neumática) y su contenedor y contexto (la galería). Por un lado, desde el exterior se presenta como un objeto escultórico autónomo, con una presencia contundente. Mientras que en su interior, usurpa un número de funciones de la arquitectura y se sitúa como una membrana que gestiona la relación de los transeúntes con la arquitectura que los acoge. El interior de la estructura neumática parece vaciado por la ausencia de un sistema ortogonal. Al negar los sistemas preceptúales, aparece como un espacio ilimitado, a la vez que se percibe su fuerte realidad material. La simplicidad de patronaje empleado, crea una contradicción entre lo abstracto de la visión y lo concreto de su materialidad. Las estructuras neumáticas subvierten las convenciones, tanto de la arquitectura, como de la escultura ya que se sustentan en la presión del vacío interno y la producción material queda tan solo restringida, al casi intangible plano /superficie que divide exterior e interior En esta exposición se presenta también Estudios para permutaciones Bug, una serie de esculturas de pequeño formato realizadas como estudios para un video y que analizan una secuencia de movimientos de los miembros de la figura humana, en relación a una estructura lineal geométrica. Sergio Prego, (Fuenterrabía 1969) Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Utiliza desde sus inicios, como medios de expresión, el vídeo y la escultura y la instalación. El trabajo de Sergio se centra en la relación del hombre con el espacio que le rodea y el tiempo en el que vive. El cuerpo humano se convierte, en su obra, en sujeto de un movimiento que, a su vez, construye el espacio en el que se produce. Sergio Prego nos obliga a forzar la mirada hasta descubrir en sus obras “situaciones” hasta entonces quizás sólo intuidas; nos invita a colocarnos frente a “paisajes” que no son simplemente reales, sino reconstrucciones conceptuales de la experiencia vital del artista, que podría ser la nuestra propia. Sergio Prego cuenta con individuales en el Palazzo delle Papesse de Siena; la Sala Rekalde de Bilbao o en las galerías Alfonso Artiaco de Napoles, Buchman de Colonia o Lombard-Freid Fine Arts de Nueva York. Ha sido seleccionado en las ediciones 41 y 35 de Art Unlimited, Art Basel y ha sido ganador del Premio Altadis Artes Plásticas 2003. Ha participado, entre otras, en exposiciones como Antes que todo, CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles. Madrid; PRIMER PROFORMA 2010, MUSAC, Leon; Truss thrust: the artifice of space en el Museo de Arte Contemporáneo de Denver; Hasta pulverizarse los ojos. BBVA Contemporáneos; The Real Royal Trip, P.S.1 Contemporary Art Center de Nueva York; Bad Boys, 50ª Biennale di Venecia o Monocanal en el MNCA Reina Sofía, Madrid. Más información aquí. |
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ARCOmadrid IFEMA / ARCOmadrid / Photographer: Hector Mediavilla. | ||
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ARCOmadrid 2012, A BIG INTERNATIONAL MEETING FOR ART PROFESSIONALS 15–19 February 2012 www.ifema.es ARCOmadrid 2012, which will take place between 15 and 19 February, will bring together the works of 150 galleries in the General Programme, to which can be added those of the participants in the Curated Programmes, from over 30 countries. In addition to the changes introduced for the last edition, ARCOmadrid 2012 has adopted some new initiatives that will reinforce its character as a platform for discovering and investigation about artists. The two new projects are: Highlighted Artist which aims to highlight one artist per booth and for which a new catalogue will be published, and SOLO OBJECTS, a section located at various areas of the fair with works selected by the curators collaborating with ARCOmadrid. The presence of The Netherlands as the Guest of Honour at ARCOmadrid 2012, in FOCUS: THE NETHERLANDS, will be another big attraction. In collaboration with the Mondriaan Foundation and the Dutch Embassy in Spain, ARCOmadrid 2012 is going to present 14 Dutch galleries selected by the curator Xander Karskens, who is responsible for the international contemporary art collection and programme at Museum De Hallen Haarlem. The Dutch presence in Madrid will be reinforced by exhibitions in several museums and institutions. Once again the fair will have the section OPENING: young European galleries curated by Manuel Segade who has selected 23 galleries. SOLO PROJECTS: FOCUS LATIN AMERICA will continue to present the work of Latin American artists with the collaboration as curators of: Cauê Alves, Sonia Becce, Patrick Charpenel, Alexia Dumani, Manuela Moscoso and José Ignacio Roca. They have selected 23 projects. Following the success at the last edition the Expert Forum will take place again directed by, amongst others, Rosa Martínez and Peter Doroshenko while the Professional Meetings will be directed byMarc-Olivier Wahler; Hans Ulrich Obrist; Bartomeu Marí; Inti Guerrero; James Lingwood; Lynne Cooke; and RMS La Asociación, with Tania Pardo. For the first time we will present theMeeting of European and Latin American Museums, run by Agustín Pérez-Rubio and Marcelo Mattos Araujo. The register for professionals is open for those professionals interested in visiting the fair. Please pre-register at www.arco.ifema.es GENERAL PROGRAMME AD HOC VIGO ADN BARCELONA ADORA CALVO SALAMANCA ALARCÓN CRIADO SEVILLAALEJANDRA VON HARTZ MIAMI ALEX DANIELS - REFLEX AMSTERDAM AMSTERDAM ALFREDO VIÑAS MÁLAGA ALTXERRI SAN SEBASTIÁN ÁLVARO ALCÁZÁR MADRID ANDERSEN'S COPENHAGENANDRÉ SIMOENS KNOKKE ÀNGELS BARCELONA BARCELONA ARKA GALLERY VLADIVOSTOK ART NUEVE MURCIA BACELOS VIGO BARBARA GROSS MUNICH BÄRBEL GRÄSSLIN FRANKFURT BASE GALLERY TOKYO BENVENISTE CONTEMPORARY MADRID BLAINSOUTHERN LONDON BRIGITTE SCHENK COLOGNE CÁNEM CASTELLÓ DE LA PLANA CARDI BLACK BOX MILAN CARLES TACHÉBARCELONA CARLIER I GEBAUER BERLIN CARLOS CARVALHO- ARTE CONTEMPORÂNEA LISBONCARRERAS MUGICA BILBAO CASA SIN FIN CÁCERES CASA TRIÁNGULO SAO PAULO CASADO SANTAPAU MADRID CATHERINE PUTMAN PARIS CAYÓN MADRID CHANTAL CROUSEL PARISCHELOUCHE GALLERY TEL AVIV CHERRY AND MARTIN LOS ANGELES CHRISTIAN LETHERTCOLOGNE CHRISTOPHER GRIMES SANTA MÓNICA DAN GALERIA SAO PAULO DISTRITO 4 MADRIDDNA GALERIE BERLIN EDWARD TYLER NAHEM FINE ART NEW YORK ELBA BENÍTEZ MADRIDELISABETH & KLAUS THOMAN INNSBRUCK EL MUSEO BOGOTÁ ELVIRA GONZÁLEZ MADRIDENRICO ASTUNI BOLONIA ESPACIO LÍQUIDO GIJÓN ESPACIO MÍNIMO MADRID ESPAIVISOR - GALERÍA VISOR VALENCIA ESTHER SCHIPPER BERLIN ESTRANY - DE LA MOTA BARCELONAFAGGIONATO FINE ARTS LONDON FILOMENA SOARES LISBON FONSECA MACEDO PONTA DELGADA FORMATO CÓMODO MADRID FRUIT&FLOWER DELI STOCKHOLM FÚCARES MADRIDGALERIA 111 LISBON GENTILI PRATO GEORG KARGLVIENNA GEORG NOTHELFER GALERIEBERLIN GRAÇA BRANDAO LISBON GUELMAN GALLERY MOSCOW GUILLERMO DE OSMA MADRIDHANS MAYER DUSSELDORF HEIDIGALERIE NANTES HEINRICH EHRHARDT MADRID HEINZ HOLTMANN COLOGNE HELGA DE ALVEAR MADRID HENRIQUE FARIA NEW YORK HILGER MODERN/CONTEMPORARY VIENNA HOET BEKAERT GHENT HORRACH MOYÁ PALMA DE MALLORCA IVORYPRESS MADRID JEROME ZODO MILAN JM MÁLAGA JOAN PRATS BARCELONAJORGE MARA-LA RUCHE BUENOS AIRES JUAN SILIÓ SANTANDER JUANA DE AIZPURU MADRIDKABE CONTEMPORARY MIAMI KAI HILGEMANN BERLIN KRINZINGER VIENNA KUCKEI + KUCKEI BERLIN LA CAJA NEGRA MADRID LA FÁBRICA MADRID LEANDRO NAVARRO MADRIDLELONG PARIS LEVY HAMBURGO LEYENDECKER SANTA CRUZ DE TENERIFE LÓPEZ-SEQUEIRAMADRID LUCIANA BRITO SAO PAULO LUIS ADELANTADO VALENCIA LUIS CAMPAÑA BERLIN MAI 36 GALERIE ZURICH MAIOR POLLENÇA MAISTERRAVALBUENA MADRID MARINA GISICH SAN PETESBURGO MARLBOROUGH GALLERY MADRID MARTA CERVERA MADRID MAS ART GALERÍABARCELONA MAX ESTRELLA MADRID MAX WEBER SIX FRIEDRICH MUNICH MAX WIGRAMLONDON MEESSEN DE CLERCQ BRUSELAS MEHDI CHOUAKRI BERLIN MICHAEL SCHULTZ BERLINMICHELINE SZWAJCER ANTWERP MICHEL SOSKINE, INC. MADRID / NEW YORK MIGUEL MARCOS BARCELONA MIGUEL NABINHO LISBON MOISÉS PÉREZ DE ALBÉNIZ PAMPLONAMORIARTY MADRID NÄCHST ST. STEPHAN ROSEMARIE SCHWARZWÄLDER VIENNA NADJA VILENNE LIEGE NF NIEVES FERNÁNDEZ MADRID NOGUERAS BLANCHARD BARCELONA NUBLESANTANDER NUSSER & BAUMGART MUNICH OLIVA ARAUNA MADRID ORIOL GALERIA D'ARTBARCELONA PALMA DOTZE VILAFRANCA DEL PENEDÉS PAPERWORKS MOSCOW PARAGON PRESSLONDON PARRA & ROMERO MADRID PEDRO CERA LISBON PELAIRES PALMA DE MALLORCA PILAR SERRA MADRID POLÍGRAFA OBRA GRÁFICA BARCELONA PROJECTB MILAN PROJECTESDBARCELONA PROMETEOGALLERY MILAN QUADRADO AZUL PORTO RAFAEL ORTIZ SEVILLA RAIÑA LUPA BARCELONA RAQUEL PONCE MADRID ROBERTS & TILTON LOS ANGELES ROSA SANTOSVALENCIA SABINE KNUST MUNICH SCQ SANTIAGO DE COMPOSTELA SENDA BARCELONA SOLEDAD LORENZO MADRID STEFAN RÖPKE COLOGNE T20 MURCIA THOMAS SCHULTE BERLIN TIM VAN LAERE AMBERES TONI TÀPIES BARCELONA TORBANDENA TRIESTE TRAVESÍA CUATRO MADRIDTRAYECTO VITORIA TRIUMPH GALLERY MOSCÚ VALLE ORTÍ VALENCIA VANGUARDIA BILBAOVERA CORTÉS LISBON WALTER STORMS MUNICH XAVIER FIOL PALMA DE MALLORCA YBAKATU ESPAÇO DE ARTE CURITIBA ZINK MUNICH FOCUS: THE NETHERLANDS ANNET GELINK AMSTERDAM DIANA STIGTER AMSTERDAM ELLEN DE BRUIJNE PROJECTSAMSTERDAM FONS WELTERS AMSTERDAM GRIMM GALLERY AMSTERDAM JEANINE HOFLANDAMSTERDAM JULIETTE JONGMA AMSTERDAM MARTIN VAN ZOMEREN AMSTERDAM MOTIVE GALLERY AMSTERDAM PAUL ANDRIESSE AMSTERDAM TEGENBOSCHVANVREDEN AMSTERDAMWEST THE HAGUE WILFRIED LENTZ ROTTERDAM ZINGERPRESENTS AMSTERDAM OPENING AANANT & ZOO BERLIN ARCADE LONDON ARRATIA, BEER BERLIN CAROLINE PAGÈS LISBONCREVECOEUR PARIS DOHYANG LEE PARIS FIGGE VON ROSEN BERLIN IMO PROJECTSCOPENHAGEN ISABELLA BORTOLOZZI BERLIN IVAN GALERIA BUCAREST JEANINE HOFLANDAMSTERDAM KLEMM'S BERLIN LAUTOM CONTEMPORARY OSLO LOKAL_30 WARSAW MONITORROMA MOR.CHARPENTIER PARIS NORMA MANGIONE TURIN NUNO CENTENO PORTO PERES PROJECTS BERLIN PLAN B CLUJ/BERLIN POST-BOX LONDON TANYA LEIGHTON BERLIN TATJANA PIETERS GHENT TEGENBOSCHVANVREDEN AMSTERDAM SOLO PROJECTS: FOCUS LATIN AMERICA 80 m2 LIMA ALBERTO SENDROS BUENOS AIRES ARRÓNIZ MEXICO DF BENVENISTE CONTEMPORARY MADRID CHRISTINGER DE MAYO ZURICH DES PACIO SAN JOSÉ DIABLOROSSOPANAMÁ ESPACIO MÍNIMO MADRID FILOMENA SOARES LISBON IGNACIO LIPRANDI BUENOS AIRES ISABEL ANINAT SANTIAGO DE CHILE LUCIANA BRITO SAO PAULO MIRTA DEMAREROTTERDAM NUEVEOCHENTA BOGOTÁ PLATAFORMA ARTE CONTEMPORANEO GUADALAJARARUTH BENZACAR BUENOS AIRES SICARDI HOUSTON TONI TÀPIES BARCELONA TRANSVERSALSAO PAULO VASARI BUENOS AIRES VERMELHO SAO PAULO VOGT GALLERY NEW YORK ZAVALETA LAB BUENOS AIRES  | ||
| November 25, 2011 |  |
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| MadeIn Company, Focus, Camera, 2011. Aboriginal spear, 12x18x210cm. | |
ShanghART at Art Basel Miami BeachHall A Booth M04November 30–December 4, 2011www.shanghartgallery.com | Share |
| At ABMB Shanghart gallery will be presenting works by BIRDHEAD (their photo installation 'Welcome to Birdhead's world - Venice Biennale Project' was shown this year in the Arsenale), CHEN XIAOYUN, DING YI (his solo exhibition will open Dec 10 at the Shanghai Minsheng Museum), MADEIN COMPANY ('a contemporary art creation company, focused on the production of creativity, and devoted to the research of contemporary culture's infinite possibilties', currently exhibiting 'ACTION OF CONSCIOUSNESS' at Shanghart gallery & H-Space in Shanghai), ZHANG ENLI (his solo exhibition at the Shanghai Art Museum will open Dec 8), ZHOU ZIXI (Solo exhibition at Shanghart Beijing, opening Dec 17). For further information please visit our website www.shanghartgallery.com or send email toinfo@shanghartgallery.com. Looking forward to seeing you in Miami! Shanghart Gallery ShanghART Gallery & H-Space 50 Moganshan Rd., Bldg 16&18 200060 Shanghai, China T +86 21-6359 3923 | Shanghart Taopu 18 Wuwei Rd., Bldg 8, 200433 Shanghai, China T +86 21-3632 2097 Shanghart Beijing 261 Cao Chang Di Chaoyang District, 100015 Beijing, China info@shanghartgallery.com www.shanghartgallery.com | |
| November 24, 2011 | |
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Art Basel, the most prestigious art show, is looking for a Head of Gallery Relations Management (100%)artbasel.com | Share |
| An exciting opportunity for a dynamic and experienced individual to take a leadership role in a fast paced organisation. You will be a member of the Art Basel Management Team, report directly to the Art Basel Directors, lead the Gallery Relations Team and work closely with related teams in Visitor Services, Show Management, Sponsoring, and Marketing. Your main responsibility is leading an experienced international exhibitor relations team through all gallery-related processes and acting as a liaison with Art Basel's international roster of galleries, cultural institutions and curators. Areas of responsibility– You will act as the deputy for the Directors in designated gallery-related areas – You will provide strategic leadership and project management during the development and implementation of processes pertaining to show concepts, sectors, gallery selections and management – You will review and evaluate present systems and methodologies and implement appropriate changes to effect continuous improvement, reduce cost and enhance efficiency – You will research and analyze international art market related data, identifying trends and opportunities, and perform competitive research – You will align and partner internally with all business units to ensure seamless integration and proliferation of Art Basel standards – You will be responsible for all budgets related to gallery selection and sales processes Expected Areas of Competence– Committed and passionate about your role with highly developed leadership and communication skills, able to lead and motivate teams to achieve outstanding results – Demonstrated skills as a successful strategic thinker and project manager, able to work on tight deadlines and excel in a fast-paced business environment – Demonstrated record of successfully managing internal and external resources across time zones – Willingness to travel and periodically work overtime, weekends and outside Switzerland Education / Experience Requirements– High level of experience in the art world and business administration, ideally with related degrees, plus at least five years of work experience – Record of attendance at international art shows a must – Thorough knowledge of the modern and contemporary international art market developments – Able to work with sensitivity and understanding of European, Pan-American and Asian cultures – Strongly connected and well regarded in the international art scene – Excellent writing and speaking skills in English and German, with additional languages (Chinese) being an advantage ContactPlease submit all application documents by mail or email, in English and German, including a current photo, no later than December 2, 2011. MCH Messe Schweiz (Basel) AG | 4005 Basel | Human Resources Daniel Kaufman E-Mail: bewerbungen@messe.ch | |
Art Basel Miami Beach |
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Art Basel Miami Beach Nights The 10th edition of Art Basel Miami Beach takes place from December 1–4, 2011. Throughout the week, the show's programming will feature a wide range of free art events, including performance, video and film. artbasel.com/events Art Public Opening Night Wednesday | November 30, 8pm to 10pm Collins Park, Oceanfront | Free public access Art Video Nights Wednesday | November 30, 8pm to 10pm Friday | December 2, 8pm to 10pm Saturday | December 3, 8pm to 10pm SoundScape Park | Free public access Art Film Friday | December 2, 8.30pm Colony Theater | Free public access, seating is limited Art Public Opening Night Art Basel Miami Beach collaborates with the Bass Museum of Art for the first time on the Art Public sector, which will transform Collins Park with a record number of public art works. Featuring sculptures and performances by renowned artists and emerging talents, the sector opens to the public with a specially curated program of performances by Theaster Gates and the Black Monks of Mississippi, Sanford Biggers and Moon Medicine, and Alalaô presenting Ronald Duarte. Wednesday | November 30 8pm | A Sermon On Art History by Theaster Gates and The Black Monks of Mississippi. Theaster Gates and the Black Monks will respond in song and verse to the works of Art Public in an art historical and monastic manner. 9pm | Mixtape by Sanford Biggers and Moon Medicine This evocative and experimental performance will combine images of punk, funk, film noir, sci-fi with traditional Samoan dance, Buddhism and original video content. Sanford Biggers (keyboard and laptop); Jahi Sundance (DJ); Mark Hines (VJ); Martin Luther (guitar and vocals), Imani Uzuri (vocals), and Swiss Chris (drums). 10pm | Alalaô presents Nimbo Oxalà by Ronald Duarte, with Marcus Wagner (DJ) and live Cuban music. The Alalaô collective, founded in January 2011 by Marcio Botner and Ernesto Neto of A Gentil Carioca and the artist Marcus Wagner, will present 'Nimbo Oxalà' by Brazilian artist Ronald Duarte and will bring the Carioca beach spirit of Rio de Janeiro to Miami Beach. Art Public is free and open to the public, 24 hours per day from December 1–4, 2011. Art Video Nights Art Video Nights will be presented in SoundScape Park on the 7,000-square-foot outdoor projection wall of the New World Center. Selected by David Gryn, Director of London's Artprojx, Art Video will feature film and video works by many of today's most exciting international artists, presented by the galleries of Art Basel Miami Beach. Wednesday | November 30 8pm | Landscape — Total running time approximately 54' The 'Landscape' program brings together film and video works with a literal or figurative take on its theme. Each work will take viewers on a curious journey to extraordinary places and unpossessed landscapes. 9pm | Dancer The latest film by Miami-based artist Dara Friedman, 'Dancer' turns Miami's street corners into a stage. Filming its performers from a slow-moving van and simultaneously transmitting an upbeat soundtrack into various neighborhoods, making passersby appear to be breaking into dance. Friday | December 2 8pm | Americania — Total running time approximately 42' Setting the scene for 'Americania' in Miami Beach, the selection of short films was inspired by Martha Rosler's one-minute film 'God Bless America.' The program offers a distinctive window onto the United States and the multi-faceted reactions towards the country by various artists. 9pm | Music and Dance — Total running time approximately 40' The program consists of a selection of films that play on the themes of music and dance, mesmerizing and capturing its audience. The videos share a simplicity, a joie de vivre and an engagement that allow the viewer to observe the ordinary through extra-ordinary means. Saturday | December 3 8pm | Painterly — Total running time approximately 55' This program combines film, animation, sculpture and painting in an intriguing way. The vigorous artists' gestures correspond with the fluid wonders of digital technology. 9pm | Brief Features — Total running time approximately 73' Brief Features presents works that hold the tension, visual captivation, imagination and quality of a full-length arthouse movie, and then offers a little bit more. A selection of videos from the Art Video Nights program will also be shown within five viewing pods at the Miami Beach Convention Center. Art Film This year's Art Film, selected again by Zurich film connoisseur This Brunner, will be the United States premiere of 'Gerhard Richter Painting' directed by Corinna Belz. Friday | December 2 8.30pm | Gerhard Richter Painting (2011) by Corinna Belz — 97' The screening at the Colony Theater is followed by a discussion with director Corinna Belz, moderated by Louisa Buck, The Art Newspaper's Contemporary Art Correspondent. Free public access, but seating is limited. For the latest updates on Art Basel Miami Beach, visit artbasel.com |
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Impresionistas: maestros franceses de la Colección Clark en Barcelona
Tras el éxito cosechado por las exposiciones Pasión por Renoir del Museo del Prado –que recibió más de 4.000 visitas diarias– y de Picasso davant Degas del Museo Picasso de Barcelona –que superó los 200.000 visitantes–, la Colección Clark regresa a España con el primer tour Internacional de sus obras maestras del siglo XIX y principios del XX. CaixaForum Barcelona acoge desde hoy jueves, 17 de noviembre, una selección de 72 obras de la colección iniciada por este matrimonio estadounidense a principios del siglo XX.
La exposición Impresionistas. Maestros franceses de la Colección Clark es la tercera parada de la gira internacional, tras su paso por el Palazzo Reale de Milán y el Museo de los Impresionistas de Giverny y puede visitarse hasta el 12 de febrero de 2012.
Sterling Clark reunió la mayor parte de su colección en París, en los primeros años de la década del siglo XX, por el placer de estar rodeado de las grandes creaciones de su tiempo. Concibió su colección a escala doméstica: las obras formaban parte del entorno cotidiano y se distribuían por la casa siguiendo las preferencias del coleccionista, que combinaba piezas de diferentes periodos y estilos. Clark buscaba la continuidad entre las creaciones del pasado y del presente, desde una perspectiva que hoy podemos sentir como muy cercana.
Sin rupturas
Las obras que adquirió Clark, muchas de ellas de la primera etapa del impresionismo, conviven con las de los maestros antiguos y también con la pintura inmediatamente anterior, sin rupturas. De este modo, la muestra cubre todo el abanico de estilos y tendencias de este dinámico período: paisajes naturalistas de los artistas de la Escuela de Barbizon, cuadros magníficamente elaborados de pintores académicos y de la alta sociedad, y pinturas evocadoras del fin de siglo.
Pero el núcleo de la colección lo constituye el extenso grupo de pinturas de los artistas más famosos de la época, los impresionistas. Sterling Clark convirtió su pasión personal en un patrimonio colectivo y en 1955 creó su propio museo en Williamstown, en el estado de Massachusetts. La exposición revive el esplendor del novecientos –cuando París era la capital de la pintura– y acerca a algunos de sus artistas más destacados, como Renoir, que tiene una presencia muy importante en la Colección Clark y en esta exposición.
Vivero de ideas  The Sterling and Francine Clark Art Institute es una de las pocas instituciones en el mundo que combina su vocación museística con el objetivo de ser un centro de postgrado e investigación en artes visuales. Su magnífica colección, legado de Sterling y Francine Clark, sus exposiciones, su comunidad académica y el entorno en el que se emplaza, hacen que pueda ser descrito como un auténtico vivero de ideas.La excelencia académica y el compromiso intelectual definen el programa docente y de investigación de The Clark, que goza de gran prestigio internacional. Su residencia ha acogido durante la pasada década a más de 200 estudiosos e investigadores becados de más de 25 países. Situado en Williamstown, en los Berkshires, en la parte occidental de Massachussets, The Clark mantiene estrechos lazos con el cercano campus de Williams, una de las universidades de artes más importantes de Estados Unidos. De la colaboración entre ambas instituciones ha surgido un programa educativo en historia del arte que atrae a estudiantes de todo el mundo hacia esta comunidad académica estratégicamente situada entre las ciudades de Boston y Nueva York. |
Barcelona. Maestros Franceses de la Colección Clark. CaixaForum.
Del 17 de noviembre de 2011 al 12 de febrero de 2012.
Comisario: Richard Rand, conservador jefe del Sterling and Francine Clark Art Institute.
- Texas (EE.UU.). The Age of Impressionism: Great French Paintings from The Clark. Kimbell Art Museum.Del 4 de marzo al 17 de junio del 2012.
- Londres (Inglaterra). Great French Paintings from The Clark. Royal Academy of Arts.
Del 7 de julio al 23 de septiembre del 2012.
Del 7 de julio al 23 de septiembre del 2012.
- Montreal (Canadá). A History of Impressionism. Great French Paintings from the Clark. Museum of Fine Arts.
Del 8 de octubre del 2012 al 20 de enero de 2013.
Del 8 de octubre del 2012 al 20 de enero de 2013.
| November 16, 2011 | |
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| Hilger modern/contemporary | Follow us |
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| Anastasia Khoroshilova, Installation view of "Starie novosti (Old news)" @ La Biennale di Venezia 2011 | |
Hilger modern/contemporary present Anastasia Khoroshilova andwww.hilger.at | Share |
| Anastasia Khoroshilova - Starie Novosti (Old News) @ Hilger contemporary Dorotheergasse 5, 1010 Vienna The exhibition is ongoing until December 2, 2011. In collaboration with artphilein foundation. The mixed media installation STARIE NOVOSTI (OLD NEWS) by Anastasia Khoroshilova consists of nine light boxes with nearly life-size portraits of mothers who were taken hostage by terrorists; most of these women saw their children perish in those dreadful days of September. The project presents Khoroshilova's critical examination of the transience, pliability and frailty of a society's collective memory. The project was part of the Collateral Events of the 54th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia – "STARIE NOVOSTI (OLD NEWS)" by Anastasia Khoroshilova which will be on display until November 27 @ Biblioteca Zenobiana del Temanza des Centro Studi e Dokumentazione della Cultura Armena. FOR FURTHER INFO, PLEASE CONTACT: E mailto:brigitte.toepfl@hilger.at brigitte.toepfl@hilger.at T +43 1 512 53 15 - 14 www.hilger.at On the occasion of VIENNA ART WEEK/ Vienna Gallery WeekendCatalogue presentation ANASTASIA KHOROSHILOVA - STARIE NOVOSTI (Old news) Friday, November 18, 2011 - 7 pm @ Hilger contemporary Andreas Leikauf - Play My Game @ Hilger modern Dorotheergasse 5, 1010 Vienna The exhibition is ongoing until December 2, 2011. Best described as "reflexive art gone rock and roll," Leikauf's masterful style and imagery incites multi-dimensional reverberations, as he likes to amp up his scenes to a dark and fervent crescendo. Though his work takes him down the highway of history, Leikauf prefers not to use the passing lane. Instead, he typically blends motifs from the 1950s with stylistic elements from the 60s, then infuses a shot of 80s spirit into the finished "loops" to place them smack dab in the 21st century. It's past, present and future fused into one, with each taking the whole in a different direction. (text fragment by Karl Baier, translation by Gordon Catlin, 2011) FOR FURTHER INFO, PLEASE CONTACT: E andrea.rest@hilger.at T +43 1 512 53 15 - 30 www.hilger.at On the occasion of VIENNA ART WEEK/ Vienna Gallery Weekend catalogue presentation ANDREAS LEIKAUF - PLAY MY GAME Friday, November 18, 2011 - 7.30 pm @ Hilger modern Oliver Dorfer - full screen @ HilgerBROTKunsthalle Absberggasse 27, 1100 Vienna The exhibition is ongoing until December 10, 2011. More info: www.brotkunsthalle.com On the occasion of VIENNA ART WEEK/ Vienna Gallery Weekend BRUNCH & TALK with the artist OLIVER DORFER Saturday, November 19, 2011 - 12 pm–4 pm @ HilgerBROTKunsthalle with musical support by Vienna's Soulful Radiostation Superfly.fm 98.3 Next Openings: December 6, 2011 Nives Widauer @ Hilger Contemporary & Rudolf Schwaiger @ Hilger Modern Hilger modern/contemporary Dorotheergasse 5 1010 Wien T (+43-1) 512 53 15 F (+43-1) 513 91 26 E ernst.hilger@hilger.at www.hilger.at www.artlab.at Opening hours: Tue–Fr 11–6 pm Sat 11–4 pm HilgerBROTKunsthalle Absberggasse 27 1100, Wien, Österreich T +43 664 88434698 www.brotkunsthalle.com E brot@brotkunsthalle.com Opening hours: Thu–Sat 12–6 pm and on appointment  | |
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| November 13, 2011 |  |
 Photo: courtesy of Amar Kanwar. | ||
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| ABOUT THE FALL 2011 LECTURE SERIESThe Zones of Emergency: Artistic Interventions – Creative Responses to Conflict & Crisis Fall 2011 lecture series investigates initiatives and modes of intervention in contested spaces, zones of conflict, or areas affected by environmental disasters. The intention is to explore whether artistic interventions can transform, disrupt or subvert current environmental, urban, political and social conditions in critical ways. A crucial question is how can such interventions propose ideas, while at the same time respecting the local history and culture. The Fall 2011 lecture series is directed by ACT Associate Professor and Head of Program Ute Meta Bauer and is funded in part by the Council for the Arts at MIT. November 14, 2011James Wescoat, Aga Khan Professor& Shun Kanda, Senior Lecturer, MIT (USA)MIT Japan 3/11 InitiativeRespondent: Jegan Vincent de Paul, ACT Lecturer, MIT (USA) In the aftermath of the disaster suffered in Japan, MIT launched the MIT Japan 3/11 Initiative, a multi-year collaborative project focused on disaster-resilient planning, design and reconstruction. Back from the first MIT Japan 3/11 workshop which took place this summer, Shun Kanda and Jim Wescoat will discuss the process and challenges in planning and implementing alternative strategies for disaster-preparedness. MIT Japan 3/11 Initiative: web.mit.edu/japan3-11/home.html November 21, 2011Amar Kanwar, Filmmaker & Artist (India)The Impermanent InstitutionRespondent: Bish Sanyal, Ford International Professor of Urban Development & Planning, MIT (USA) Indian artist and well-known filmmaker Amar Kanwar creates documentary-based multi-channel installations that deal with the politics of power, violence, sexuality, and justice. In The Torn First Pages, Kanwar unfolds the struggle for democracy in Myanmar. The eight-channel video piece The Lightning Testimonies reflects upon a history of conflict in the Indian subcontinent through the experiences of sexual violence against women during and after the 1947 partition. Kanwar's work has been shown in museums across the globe, and he received numerous awards for his works and humanitarian engagement. Previously in the Fall 2011 lecture series: Tess Thackara, Director, Survival International (USA) Jack Persekian, Curator (Jerusalem) Joichi Ito, Director, MIT Media Lab (USA) Lucy Walker, Filmmaker (UK) Stella Mcgregor, Director, Urbano Project (USA) FALL 2011 SPECIAL PROGRAMS & COLLABORATIONSFlorian HeckerPanel discussion with ACT Associate Professor and Head of Program Ute Meta Bauer and MIT Professor of Anthropology Stefan HelmreichTuesday, November 29, 2011, 7 PMLocation: MIT Bartos Theater, Wiesner Building (E15-070), 20 Ames Street, Cambridge, MA, USA Further information: arts.mit.edu/va/artist/hecker An Evening Celebrating the Legacy of the Center for Advanced Visual Studies (CAVS)Thursday, December 8, 2011, 6 -7:30 PMwith CAVS Director Emeritus Otto Piene and György Kepes Fellow for Advanced Studies and Transdisciplinary Research in Art, Culture and Technology Márton OroszLocation: Wiesner Building (E15), Lower Level, 20 Ames Street, Cambridge, MA, USA Program: lecture, panel discussions, and film screening of the newly restored documentary Centerbeam(1978). The György Kepes Fellowship for Advanced Studies and Transdisciplinary Research in Art, Culture and Technology is a joint initiative of the MIT Program in Art, Culture and Technology (ACT), tranzit.organd ERSTE Foundation. The preservation of Centerbeam is supported in part by the National Film Preservation Foundation's Avant-Garde Masters Grant program funded by The Film Foundation. EXIHIBITIONSMy New Theater: Reading Dante IIIAn exhibition by ACT Professor Emerita Joan JonasExhibition extended through Friday, December 2, 2011Location: MIT Media Lab Complex Lobby, 75 Amherst St., Cambridge, MA, USA Further information: arts.mit.edu/va/event/jonas Disobedience, an Ongoing Video ArchiveExhibit reception: Friday, December 9, 2011, 5-8 PM Pre-reception talk starts at 3 PMLocation: The Media Lab Complex Lobby (E14), 75 Amherst Street, Cambridge, MA, USA Curated by: Marco Scotini together with Nomeda & Gediminas Urbonas; Assistant curator: Andris Brinkmanis. In collaboration with students from the ACT courses Art, Architecture, and Urbanism in Dialogue and Introduction to Networked Cultures and Participatory Media under the instruction of ACT Associate Professor Gediminas Urbonas. This exhibition is made possible through the support of the Office of the Dean at MIT SA+P, Council for the Arts at MIT, the Program in Art, Culture and Technology (ACT), and NABA - Nuova Accademia di Belle Arti, Milano. ABOUT ACTThe MIT Program in Art, Culture and Technology operates as a critical studies and production based laboratory, connecting the arts with an advanced technological community. ACT faculty, fellows and students engage in advanced visual studies and research by implementing both an experimental and systematic approach to creative production and transdisciplinary collaboration. As an academic and research unit, the ACT Program emphasizes both knowledge production and knowledge dissemination. In the tradition of artist and educator György Kepes, the founder of MIT's Center for Advanced Visual Studies and an advocate of "art on a civic scale," ACT envisions artistic leadership initiating change, providing a critically transformative view of the world with the civic responsibility to enrich cultural discourse. MIT program in art, culture and technology Massachusetts Institute of Technology 77 Massachusetts Avenue, E15-212 Cambridge MA 02139-4307 act.mit.edu617-253-5229 | ||
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Art Basel Miami Beach | ||
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Art Basel Conversations and Art Salon December 1–4, 2011 artbasel.com/conversations artbasel.com/salon Art Basel Conversations For a decade now, Art Basel Conversations has offered the public a chance to see dynamic dialogues between prominent figures of the international artworld, debating the key issues facing the artworld today and offering their first-hand perspective on producing, collecting and exhibiting art. Daily from Thursday, December 1, to Sunday, December 4, 2011 10–11am | Panel Discussion 11–11.30am | Meet the Panelists Location | Miami Beach Convention Centre, auditorium adjacent to Info Zone D Admission is free | Seats available on a first-come, first-served basis THURSDAY | December 1 | Premiere | Artist Talk | Gabriel Orozco Gabriel Orozco, Artist, Mexico City/New York/Paris In conversation with Michelle Kuo, Editor in Chief, Artforum, New York FRIDAY | December 2 | Public/Private | The Evolution of Museum Missions Margarita J. Aguilar, Executive Director, El Museo del Barrio, New York Thelma Golden, Director and Chief Curator, The Studio Museum in Harlem, New York Madeleine Grynsztejn, Pritzker Director, Museum of Contemporary Art, Chicago Beatrix Ruf, Director, Kunsthalle Zürich, Zurich Moderator | András Szántó, Author and Consultant to arts and philanthropic organizations, New York SATURDAY | December 3 | Collector Focus | Art Basel Miami Beach and South Florida: A Decade of Transformation Irma and Norman Braman, Collectors and Patrons, Miami Carlos M. de la Cruz, Collector and Co-Founder with his wife, Rosa, of the de la Cruz Collection Contemporary Art Space, Miami Martin Z. Margulies, Collector, The Margulies Collection at the Warehouse, Miami Dennis Scholl, Collector, Miami Ella Fontanals-Cisneros, Collector, Founder and President of the Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO), Miami Moderator | Bonnie Clearwater, Director and Chief Curator, Museum of Contemporary Art, North Miami SUNDAY | December 4 | The Future of Artistic Practice | The Artist as Poet Gerry Bibby, Artist, Berlin Tracey Emin, Artist, London Olivier Garbay, Artist, London Karl Holmqvist, Artist, Poet and Performer, Berlin/Stockholm Jonas Mekas, Writer, Curator and Filmmaker, Brooklyn Moderator | Hans Ulrich Obrist, Co-Director, Serpentine Gallery, London Videos of Art Basel Conversations are available the next day at artbasel.com/conversations Art Salon The Art Salon program serves as an open space for short presentations, such as panel discussions, lectures and performances, with the range of speakers including artists, curators, academics, authors, art lawyers, critics, architects, musicians and many other cultural players. Daily and throughout the day, from Thursday, December 1, to Sunday, December 4, 2011 Location | Miami Beach Convention Centre, auditorium adjacent to Info Zone D Access via show floor | General admission ticket includes access to Art Salon THURSDAY | December 1 1pm | The Global Artworld | 'Regionalism' Bruce High Quality Foundation, Jens Hoffmann, Chelsea Haines 2pm | Artist Talk | Ernesto Neto Ernesto Neto, Adriano Pedrosa 3pm | Art Law | 10 Cases: And Why They Matter To You Josh Baer, Peter R. Stern 4pm | Artist Talk | Inspiration, Cultivation and The Philip Johnson Glass House Collection Todd Eberle, Liam Gillick, Amei Wallach 5pm | Artist Talk | 'Movement Studies' Haegue Yang, Doryun Chong 6pm | Art History | Remembering Louise Bourgeois Tracey Emin, Jerry Gorovoy, Nancy Spector, Ulf Küster FRIDAY | December 2 1pm | Art Public Talk Theaster Gates, Glenn Kaino, Christine Y. Kim 2pm | Art Video Talk | 'Dancer' Dara Friedman, David Gryn 3pm | Art Film Talk | 'Gerhard Richter Painting' 4pm | Talk | Biennials: Critical and Curatorial Interventions Cuauhtémoc Medina, José Roca 5pm | The Global Artworld | Focus on Argentina Tanya Barson, Marlise Jozami, Guillermo Navone, Abaseh Mirvali 6pm | Art Media | Latin American Art Magazines: Now and Then Sandra Antelo-Suarez, Celia Birbragher, Rodrigo Moura, Adriano Pedrosa SATURDAY | December 3 1pm | Artist Talk | Is Anyone Home? Erwin Wurm, Peter Doroshenko 2pm | Artist Talk | The Idea of Utopia in Art and Life Emilia and Ilya Kabakov, Sir Norman Rosenthal 3pm | Artist Talk | Performa 4pm | Artist Talk | Art Attack Dan Cameron, Raphael Castoriano, Ryan McNamara, Richard Tuttle 5pm | Artist Talk | 'Color on Color' Carlos Cruz-Diez, Aldo Rubino 6pm | Art Law Talk | Art Law in the Digital Age Lawrence M. Kaye, Howard N. Spiegler SUNDAY | December 4 1pm | Artist Talk | 'Rolling Stop' Mark Handforth, Bonnie Clearwater 2pm | Artist Talk | 'Cloud Cities' Tomás Saraceno, Hans Ulrich Obrist 3pm | Talk | Bas Fisher Invitational: artist-run project in Miami Naomi Fisher, Jim Drain, Christy Gast, Richard Haley Videos of all Art Salon talks will be available the next day at artbasel.com/salon. For the latest updates on Art Basel Miami Beach, visit artbasel.com | ||
Brancusi-Serra en el Guggenheim Bilbao La muestra "Brancusi-Serra" ofrece al público una nueva mirada sobre la escultura moderna al potenciar el diálogo entre la obra de estos dos destacados creadores. El trabajo de ambos se caracteriza por haber logrado reducir las formas escultóricas a su esencia: Brancusi sentó las bases para la escultura abstracta y Serra crea piezas minimalistas de acero capaces de atraer al espectador como si de imanes se tratara. Los dos reinventaron a su manera la escultura, cuestionando el proceso tradicional, el uso de los materiales, la experiencia total y la relación entre el arte y el espacio. "Brancusi-Serra", realizada en colaboración con la Fondation Beyeler de Basilea, reúne la mayor representación de obras de ambos artistas hasta la fecha en España y ha sido posible gracias a los préstamos de importantes instituciones internacionales. La exposición permanecerá abierta hasta el 15 de abril de 2012 y se complementará con actividades especiales en torno a la muestra, como los talleres infantiles o el Encuentro Internacional de Escultura Sculpture Network, con la participación de importantes expertos y artistas. Más información en la web del Museo Guggenheim Bilbao |
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M Museum Mika Rottenberg, "Squeeze", 2010. Video still, Single channel video installation, duration: 20 min. | ||
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Mika Rottenberg Cheese, Squeeze and Tropical Breeze Video works 2003–2010 4 November 2011–26 February 2012 M Museum Vanderkelenstraat 28 3000 Leuven, Belgium www.mleuven.be Exceptional women, such as the powerful Heather Foster, the sizeable Queen Raqui ('Her body utterly amazing, her agility astounding'), and the super tall erotic model Bunny Glamazone, become absurd characters in the colourful films of Mika Rottenberg (°1976)—striking women who use their bodies as production machines. Rottenberg shows working processes in which physical waste materials such as sweat, blood, hair or tears sometimes combined with salad or make-up to produce new products in loops consisting of series of rather enigmatic scenes. It's said that Rottenberg makes 'seriously political art that is preposterously funny.' After all, with her almost surrealist films, Rottenberg comments on existing ideas about female self-determination, the idealisation of the body in the media and advertising world, and the position of workers in a globalised, capitalist economy. She makes us think about the ways in which value is created. In this the starting point is often the miraculous nature of reality. The artist said: 'I see a lot of magic in so many mundane moments'. Rottenberg is a visual storyteller; her humorous, candy-coloured films, look like a sort of cross-over between fairytales and advertising films. She presents her films in complex installations which consist partly of her film sets. They can be experienced as 'viewing machines', and ensure that the viewer also has a physical relationship with the work. This fall the films of Mika Rottenberg receive their Belgian première in M Leuven. Rottenberg both transforms the spaces in M into interconnected viewing devices that showcase her work, and presents her video works in between the historical collection of the museum. The show presents seven of her video works, ranging from the early single-channel 'Julie' (2004) to her most recent project 'Squeeze' (2010). Curator: Eva Wittocx. The exhibition is organised in collaboration with De Appel Amsterdam and Notthingham Contemporary. Mika Rottenberg was born in Buenos Aires in 1976, and holds a BFA from the School of Visual Arts (2000) and an MFA from Columbia University (2004). Solo exhibitions include De Appel Amsterdam, San Francisco Museum of Modern Art; La Maison Rouge, Paris; KW Institute of Contemporary Art, Berlin; and P.S.1 Contemporary Art Center, New York. Her work has been exhibited in the 2008 Whitney Biennial, Whitney Museum of American Art; the Tate Modern, London; Guggenheim Museum (Bilbao and New York); The Museum of Modern Art, New York; Uncertain States of America: American Art in the Third Millenium (multiple venues, 2005–2006). She lives and works in New York. Recently the first major publication on Mika Rottenbergs oeuvre was published, in partnership with De Appel, Amsterdam, Nicole Klagsbrun Gallery, New York and M Museum Leuven. The book will provide the most comprehensive analysis of Rottenberg's oeuvre to date, with previously unpublished archival material and new visual sequences designed in collaboration with Project Projects, New York. Authors: Linda Williams, Hsuan L. Hsu, Efrat Mishori, Ann Demeester as well as new interviews between the artist and he hired performers: Heather Foster, Raqui and Leona. Published by Gregory R. Miller & Co. This exhibition is part of Playground festival, a collaboration between M Museum Leuven and STUK Arts centre Leuven. The opening of the exhibition, on November 3 from 6pm onwards, takes place at the same time as the opening of Playground festival: a double bill evening where several performances can be combined in a unique joint programme. More information: www.playgroundfestival.be *Image above: Courtesy of Nicole Klagsbrun Gallery  | ||
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| October 13, 2011 | |
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| Image courtesy Judith Steedman | |
Digital Nativesa publication edited by Lorna Brown and Clint Burnham144 pages, full colour, soft cover ISBN: 978-0-9866819-1-2 In Canada: 36.50 CAD International: 42.50 CAD (Shipping & applicable taxes included) Order now | Share |
| Other Sights for Artists' Projects and the City of Vancouver Public Art Program are pleased to announce the release of a book publication documenting the public art project Digital Natives, presented on the electronic billboard at the Burrard Street Bridge, in Vancouver, Canada. Located on Skwxwú7mesh territory in the heart of the city, the digital signs flash a static advertisement every ten seconds. Using the form of tweets, artists and writers from across North America contributed text messages that interrupted the broadcast ads during April, 2011, the 125th Anniversary of the City of Vancouver. Selected contributions were translated into Skwxwú7mesh, Kwak'wala and hǝn'q'ǝmin'ǝm'/Musqueam languages. For Digital Natives, the billboard became a space for exchange between native and non-native communities in an exploration of language in public space. Interrupting the flow of advertisements, the brief messages responded to the location and history of the billboard, of digital language and translation, and of the city itself. Digital Natives integrated messages from the public, in a call-and-response generated through Twitter, Facebook and the digitalnatives.co blog. Designed by Judith Steedman, the publication includes essays by Candice Hopkins, Clint Burnham and Lorna Brown, a history of the site created by historian Susan Roy, and selected entries from the project blog along with reproductions of the work of contributing artists and writers: Candice Hopkins, cheyanne turions, Chris Bose, Christian Bok, Daina Warren, Edgar Heap of Birds, Emily Fedoruk, Henry Tsang, Jeff Derksen, Larissa Lai, Lisa Robertson, Lori Emerson, Marianne Nicolson, Mercedes Eng, Michael Turner, Peter Morin, Phillip Djwa, Postcommodity, Rachel Zolf, Raymond Boisjoly, Rita Wong, Roger Farr, Sonny Assu, Tania Willard. Digital Natives was commissioned by the City of Vancouver Public Art Program with the support of Vancouver 125 and the participation of the Government of Canada. We are grateful for the support of The Canada Council for the Arts and the Museum of Anthropology at the University of British Columbia. About Other Sights Other Sights for Artists' Projects Association operates as a collective of Vancouver-based individuals with expertise in curation, project management, presentation, delivery, and promotion of temporary art projects in public spaces. Other Sights is dedicated to challenging perceptions, encouraging discourse and promoting individual perspectives about shared social spaces. We seek to create a presence for art in spaces and sites that are accessible to a broad public, such as the built environment, communications technologies, the media, and the street, supporting critically rigorous work for highly visible locations. We collaborate and share resources with organizations and individuals to present projects that consider the aesthetic, economic and regulatory conditions of public places and public life, creating new platforms for temporary artist projects in the public realm. Follow us on Twitter @diginativ Watch video | |
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ANIMADA CHARLA
Ferran Adriá mantiene una charla animada con todos los asistentes. © Daniel Carretero
Copyright © Prisa TV 2011. Av. Artesanos, 6 28760 Tres Cantos (Madrid)
'Documenting Documenta', Ferran Adrià con lo mejor del arte actual
Ferran Adrià ha sido el único cocinero del mundo invitado, como artista, a Documenta, una de las exposiciones de arte contemporáneo más importantes del mundo, que se celebra cada cinco años en la localidad alemana de Kassel durante cien días.Ahora, el documental Documenting Documenta, que fue presentado recientemente en el Teatro Municipal de Roses (Gerona) coincidiendo con la Semana de San Juan, narra detalladamente la experiencia del chef en la edición de 2007 de esta exposición de arte contemporáneo. El audiovisual está dirigido por David Pujol, un realizador que ya ha llevado a cabo otros proyectos relacionados con Adrià, como Un día en El Bulli, producido por RTVE, o el Catálogo Audiovisual que cuenta la historia del restaurante.
Richard Hamilton, hilo conductor
El hilo conductor del documental es el artista británico pionero del arte pop Richard Hamilton, quien además de ser amigo personal de Adrià es el cliente más antiguo de El Bulli, un establecimiento al que el pintor no ha dejado de acudir periódicamente desde 1963.
Alrededor de Hamilton van apareciendo en la cinta distintas personalidades del arte contemporáneo actual, como Vicent Todolí, ex director de la Tate Gallery de Londres; Roger M. Buergel, director de Documenta; Bartomeu Marí, director del MACBA; Laurance Russell, directora de la Fundación Tàpies, o Montse Aguer, directora del Centro de Estudios Dalinianos, entre otros. Un verdadero diálogo nunca antes visto entre arte y cocina, una relación que según Adrià "es complicada de explicar, extraña y que no todo el mundo entiende". En su presentación en Roses, el cocinero definió el nuevo documental como "un diálogo de la alta cocina con el arte contemporáneo".
Yves Saint Laurent, el artista que vistió una época
Fue el que mejor entendió a la mujer moderna y la primera gran figura de la moda en diseñar no sólo para la 'alta costura' de los ricos: "Si la vida consiste en vestir sólo a mujeres ricas es muy triste". Comprendió como nadie las claves de su época y, junto con Chanel, fue el único que se preocupó por el principal problema social de los años 60, acompañando con sus creaciones el ascenso profesional y la liberación de la mujer.
Es Yves Saint Laurent, el autor que logró hacer inmortales sus iniciales (YSL), aquel que se inspiraba en la vida para crear, para vestir una época, quien consiguió elevar el oficio de diseñador a lo más alto de las manifestaciones creativas de su época, hasta llegar a ser considerado por muchos uno de los artistas más representativos del siglo XX: "Quiero que todos sepan el respeto que merece este oficio, que no consiste tanto en hacer arte cuanto en la necesidad que tiene un artista de existir".
Desde hoy jueves, y hasta el 8 de enero de 2012, la Fundación Mapfre ofrece la primera retrospectiva que se realiza sobre Yves Saint Laurent en España, una muestra realizada en colaboración con la Fondation Pierre Bergé-Yves Saint Laurent que ofrece un completo repaso a 40 años de creación del diseñador. La exposición se desarrolla sobre una estructura temática de 11 espacios que albergan una selección de cerca de 150 modelos de alta costura y prèt-a–porter, más de 80 dibujos, fotografías y películas.
Puesta en escena
La puesta en escena de las creaciones seleccionadas para la exposición se concibe como una progresión teatral desde los comienzos de YSL como diseñador en Dior, con la famosa colecciónTrapèze (1958), hasta el esplendor de sus trajes de noche. La construcción de su estilo y los fundamentos de su obra están presentes a través del contexto histórico, ilustrado con dibujos (planta -1), fotografías y películas. Los distintos espacios muestran las inspiraciones artísticas y culturales de un diseñador que combinó el anhelo de vestir a la gente común, sin renunciar por ello a la confección de un modelo exclusivo para la mujer de sus sueños. La muesta se cierra con una apoteosis de colores y de creaciones que ubican su obra en el presente.Estas son algunas de las claves de la exposición:
Ambición de la Alta Costura
En 1955, Yves Saint Laurent entra en la casa Dior, en la que el gran modisto le designará su sucesor. Dos años después, tras la muerte de su mentor, da el paso desde una alta costura obsoleta a ser el protagonista del "reinado del estilo" gracias a la conocida colección Trapèze. Los vestidos que liberan el cuerpo prefiguran el espíritu de libertad característico de los años sesenta.
Estudio Mental / Estudio real
El estudio mental es un lugar de penumbra donde la imaginación y las referencias estéticas (pintores, músicos, escritores, etc.) configuran el imaginario de sus creaciones. El estudio real, que evoca el taller de la Rue Marceau, es el lugar donde dichas creaciones cobran vida.
La revolución de los géneros
El chaquetón, la sahariana, el pantalón y la chaqueta sastre, la camisa normanda, la túnica y el mono o jumpsuit son algunas de nuevas prendas que ofreció a su clientela. El guardarropa debía reflejar como en un espejo un nuevo estilo de vida, una nueva imagen de la feminidad. En este contexto crea, entre lo femenino y lo masculino, una nueva estética en la que los géneros se confunden: a través de los tejidos –lana y muselina– y de la camisa y el traje completo de hombre, que ahora ofrece también a la mujer.
Yves Saint Laurent y las mujeres
Para Saint Laurent, vestir a la mujer es ayudarla a vivir lo cotidiano en un mundo en continua transformación. Reemplaza el “total look” por un guardarropa donde cada mujer encontrará su propio estilo. Sus vestidos tendrán tal aceptación que Lauren Bacall, la duquesa de Windsor, Jacqueline Kennedy, la condesa de Ribes, Betty Catroux o Loulou de la Falaise, entre otras, se unen a su clientela.
La marca fetiche, Saint Laurent Rive Gauche, lanzada en 1966, constituye un hito en la historia de la moda. Pionera del prèt-a–porter de lujo, conocerá un inmenso éxito que prefigura el de las marcas globales contemporáneas. Su estilo se hace accesible a un gran número de mujeres y se impone en el mundo entero a través de cientos de boutiques.
Belle de jour, Catherine Deneuve
Belle de jour, Catherine Deneuve
"Ella siempre me resultó extraordinaria. La vestí después de Belle de Jour, 1967, la película de Luis Buñuel. Es una mujer que tiene un encanto y un corazón maravilloso". Yves Saint Laurent
Esta sala muestra algunas de las grandes piezas del guardarropa de Catherine Deneuve, una de sus más importantes musas, desde el vestido empolvado en negro y satén marfil creado para Belle de jour(1967), al vestido de noche largo, en crepé de satén rojo tango (1977).
1971. La colección del escándalo
En verano de 1971 presenta una colección inspirada en la década de 1940. En los salones de moda se produce consternación. Más que las reminiscencias de la época de la guerra y la ocupación, es el tipo de mujer imaginada por el diseñador lo que provoca. La prensa reacciona violentamente en contra y le condena, pero la colección triunfa y la calle adopta inmediatamente sus postulados. Las jóvenes se reconocen en este estilo retro. Sin embargo, la desnudez de algunos de los modelos, que a través de blusas y vestidos dejarán entrever sus cuerpos, resultaron escandalosos en los ambientes más conservadores.
La feria de los exotismos
"Con mi imaginación, viajo a países que no conozco. Detesto viajar. Si leo un libro sobre los indios, con fotografías, o sobre Egipto, donde nunca he estado, mi imaginación me lleva hasta allí. Así es como he realizado mis viajes más bellos". Yves Saint Laurent (entrevista con Catherine Deneuve.Globe, 1 de Mayo de 1986)
Muchos de sus modelos están inspirados en viajes, reales o imaginados, que conectan al diseñador con sociedades lejanas pero que él adopta e incluye en su discurso como propias. Culturas y estéticas a las que nos acercamos a través de su imaginación –China, Japón, Rusia, Marruecos, pero sobre todo Europa– están presentes en este espacio.
Homenajes: diálogo con artistas y escritores
"Mondrian significa la pureza, no se puede ir más lejos en el ámbito de la pintura. La obra maestra del siglo XX es un Mondrian". Yves Saint Laurent
En 1965 lanza una colección inspirada en Mondrian. Las revistas del mundo entero aplauden estas creaciones que traspasan los límites existentes entre los géneros artísticos, adaptando para la moda un lenguaje propio que había sido pensado para la plástica. De ahora en adelante, el diseñador establecerá un diálogo con artistas de distinta sensibilidad: Mondrian, Wesselman, Poliakoff, Van Gogh, Matisse, Picasso, Braque, Léger, Apollinaire, Aragon, Cocteau, Lalanne, etc.
El último baile
"Adoro a Visconti y las épocas turbulentas, como en Livia, un amor deseperado. Me seduce la decadencia, anuncia un mundo nuevo y, desde mi punto de vista, el combate entre una sociedad cautiva entre la vida y la muerte es algo absolutamente magnífico de contemplar". Yves Saint Laurent
YSL es el arquitecto de lo cotidiano, pero también es el mago de la noche. Adora el ambiente de las fiestas, la noche como un espacio de tiempo y realidad. En "el último baile" desfilan los vestidos de una alta costura nostálgica de su esplendor.
El esmoquin
Siempre era igual pero nunca era el mismo: durante 40 años, más de 100 modelos de esmóquines salieron de su imaginación y de su voluntad de afirmar la legitimidad de un traje con el que creía que debía conquistar el mundo y convertirse en pieza emblemática de su estilo.
Los colores
"Adoro el oro, un color mágico, por el reflejo de una mujer, es el color del sol. Adoro el rojo, agresivo y salvaje. Los colores fuertes del desierto". Yves Saint Laurent
En el último espacio de la exposición, los visitantes atraviesan el mundo de colores de Yves Saint Laurent, que ilustran su talento cromático. Los trajes de muselina drapeada de su último desfile del 2002 parecen estar suspendidos en el espacio, rodeados de paredes donde cuelgan cientos de muestras de tejidos de los más variados colores.
La exposición se completa con 81 bocetos originales que ayudan en la comprensión de todos los pasos del genial diseñador, desde la idea inicial, hasta la ejecución final del modelo. A estos dibujos se unen diversas series fotográficas como la que le realizó en 1971 el fotógrafo Jeanloup Sieff para la publicidad de lanzamiento de su primer perfume para hombres “YSL Pour Homme”. Esta audaz imagen adquiere el estatus de un icono.
Madrid. Yves Saint Laurent. La ambición de la alta costura. Fundación Mapfre.
Del 6 de octubre de 2011 al 8 de enero de 2012.
2011-11-23 |
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| SERGIO PREGO |
| 1 de diciembre - 9 de enero |
| El próximo día jueves 1 de diciembre, a partir de las 20:00 h, la galería Soledad Lorenzopresenta la exposición individual de Sergio Prego. Sergio Prego colabora con la galería Soledad Lorenzo desde el año 2002. En sus dos anteriores exposiciones presentó vídeos, esculturas e instalaciones todos con un carácter experimental como denominador común. Dentro del proyecto que realizó junto a Txomin Badiola y Jon Mikel Euba titulado PRIMER PROFORMA 2010 en el MUSAC- Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, Prego desarrolló, de forma extensiva, una serie de trabajos con estructuras neumáticas emparentadas con el trabajo que presenta en esta ocasión en la galería. (Estos ejercicios experimetales pueden ser contemplados en la página web del proyecto:www.primerproforma2010.org). Asimismo y para la 41ª edicion de Art Basel dentro del apartado Art Unlimited 2009 Sergio Prego, presentó la obra Ikurrina Quarter. Dicha instalación consistía en un cilindro neumático en forma de corredor de 2.5m de diámetro y 120m de largo cuyo interior podía ser transitado por el visitante. Para esta ocasión, Sergio Prego inunda el espacio expositivo con un cilindro neumático que ocupa por completo la galería. El visitante podrá transitar el espacio expositivo, desde el interior del cilindro. Se trata de una estructura neumática preso-estática de 40 m de longitud y 16 m de perímetro, con una entrada /salida en cada uno de sus dos extremos, que habita el espacio de la galería desbordándola, amoldándose a su interior simultáneamente. La estructura extiende su membrana presionando suelo, paredes y techo. La especificidad de este espacio produce una sensación de irrealidad y abstracción, fruto de la trasgresión de las convenciones arquitectónicas. La instalación, plantea una serie de cuestiones en relación con la escultura (la estructura neumática) y su contenedor y contexto (la galería). Por un lado, desde el exterior se presenta como un objeto escultórico autónomo, con una presencia contundente. Mientras que en su interior, usurpa un número de funciones de la arquitectura y se sitúa como una membrana que gestiona la relación de los transeúntes con la arquitectura que los acoge. El interior de la estructura neumática parece vaciado por la ausencia de un sistema ortogonal. Al negar los sistemas preceptúales, aparece como un espacio ilimitado, a la vez que se percibe su fuerte realidad material. La simplicidad de patronaje empleado, crea una contradicción entre lo abstracto de la visión y lo concreto de su materialidad. Las estructuras neumáticas subvierten las convenciones, tanto de la arquitectura, como de la escultura ya que se sustentan en la presión del vacío interno y la producción material queda tan solo restringida, al casi intangible plano /superficie que divide exterior e interior En esta exposición se presenta también Estudios para permutaciones Bug, una serie de esculturas de pequeño formato realizadas como estudios para un video y que analizan una secuencia de movimientos de los miembros de la figura humana, en relación a una estructura lineal geométrica. Sergio Prego, (Fuenterrabía 1969) Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Utiliza desde sus inicios, como medios de expresión, el vídeo y la escultura y la instalación. El trabajo de Sergio se centra en la relación del hombre con el espacio que le rodea y el tiempo en el que vive. El cuerpo humano se convierte, en su obra, en sujeto de un movimiento que, a su vez, construye el espacio en el que se produce. Sergio Prego nos obliga a forzar la mirada hasta descubrir en sus obras “situaciones” hasta entonces quizás sólo intuidas; nos invita a colocarnos frente a “paisajes” que no son simplemente reales, sino reconstrucciones conceptuales de la experiencia vital del artista, que podría ser la nuestra propia. Sergio Prego cuenta con individuales en el Palazzo delle Papesse de Siena; la Sala Rekalde de Bilbao o en las galerías Alfonso Artiaco de Napoles, Buchman de Colonia o Lombard-Freid Fine Arts de Nueva York. Ha sido seleccionado en las ediciones 41 y 35 de Art Unlimited, Art Basel y ha sido ganador del Premio Altadis Artes Plásticas 2003. Ha participado, entre otras, en exposiciones como Antes que todo, CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles. Madrid; PRIMER PROFORMA 2010, MUSAC, Leon; Truss thrust: the artifice of space en el Museo de Arte Contemporáneo de Denver; Hasta pulverizarse los ojos. BBVA Contemporáneos; The Real Royal Trip, P.S.1 Contemporary Art Center de Nueva York; Bad Boys, 50ª Biennale di Venecia o Monocanal en el MNCA Reina Sofía, Madrid. Más información aquí. |
Primera gran exposición de Juan Gatti
La Sala Canal de Isabel II (Madrid) acogerá desde el próximo jueves, 24 de noviembre, laprimera gran exposición del diseñador gráfico, director de arte y fotógrafo Juan Gatti(Buenos Aires, 1950). Esta muestra presenta 40 fotografías en blanco y negro de nueva creación, así como una antología de sus 30 años de trabajo, tanto en el ámbito del diseño gráfico como en el fotográfico. También contará con un montaje audiovisual que permitirá convertir la espectacular cúpula de la Sala Canal en un inmenso planetario.El montaje que se puede ver en la sala está concebido de forma dual: una primera parte, que ocupará la planta baja de la sala de exposiciones, tiene como objetivo hacer un repaso por el rico universo del diseñador a través de los diferentes ámbitos en los que ha trabajado: entre otras, tendremos oportunidad de ver imágenes de las campañas como las que realizó para Sybilla, Jesús del Pozo, su trabajo para Purificación García o los carteles que desarrolla, a partir del año 1988, para las películas de Pedro Almodóvar (Mujeres al borde de un ataque de nervios, Átame, Tacones lejanos, Hable con ella, La mala educación, Volver yLos abrazos rotos, entre otras).
Trabajo más amplio y personal
Una segunda parte, que ocupa el resto de la sala, es la que da título a la exposición, Contraluz, y es su trabajo más amplio y personal. Aquí, la iconografía de Juan Gatti, que normalmente ha estado asociada a la moda o el diseño editorial, se amplía y los objetos logran tener la misma entidad que el propio ser humano pues, en ambos, es la luz la que les da sentido como forma visual. En la Sala Canal de Isabel II, la serie Contraluz se presenta como una sucesión de experiencias sensoriales diferentes.
Juan Gatti es Premio Nacional de Diseño (2004) y Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes (2010). Su labor como diseñador gráfico, director de arte y fotógrafo en el mundo de la música y la moda le ha llevado a colaborar con artistas como Mecano, Miguel Bosé o Alaska y Dinarama, y con los diseñadores Sybilla, Martine Sitbon, Chloé, Karl Lagerfeld, Jesús del Pozo, Loewe, Elena Benarroch y Purificación García. Es el creador de la estética gráfica de la mayoría de películas de Pedro Almodóvar, campo en el que ha trabajado, además, para John Malkovich, Fernando Trueba y Alex de la Iglesia, entre otros.
Madrid. Juan Gatti. Contraluz. Sala Canal de Isabel II. Santa Engracia, 125.
Del 24 de noviembre al 1de abril de 2012.
Comisario: Rafael Doctor.
La muestra está patrocinada por Purificación García.
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re.act.feminism #2 - | ||
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re.act.feminism #2 a performing archive Archive / Exhibitions / Workshops / Performances / Talks / Research 7 October 2011–1 September 2013 First Venue: 7 October 2011–15 January 2012, Centro Cultural Montehermoso Kulturunea, Vitoria-Gasteiz, Spain www.reactfeminism.org re.act.feminism #2 - a performing archive is a continually expanding, mobile and temporary performance archive travelling through six European countries from 2011 to 2013. In its current version, it presents gender-critical, feminist and queer performance art by 125 artists and artists collectives from the 1960s until the beginning of the 1980s, as well as contemporary positions. The research focus is on artworks from Eastern and Western Europe, the Mediterranean and the Middle East, the US and selected countries in Latin America. On its route through Europe this temporary archive will continue to expand through local research and scholarly cooperation. It will also be "animated" through exhibitions, screenings, performances and discussions along the way, which will continuously contribute to the archive. With this project, the organiser cross links e.V., Berlin and the curators Bettina Knaup andBeatrice Ellen Stammer, draw on the success of the exhibition "re.act.feminism—performance art of the 1960s & 70s today" which was shown to great critical acclaim in the Akademie der Künste, Berlin, Germany, in 2008–2009. The main goals of the project are to make performance documentation, which is dispersed and often difficult to access, available to a broader public for the first time in such a great volume and variety, and to strengthen cross-generational and trans-cultural dialogue. The project is based on the idea of a living archive, emphasising the use, appropriation, and re-interpretation of documents: What effect does the performance document have in the moment of its reception, what does it do? What kind of relationship does it create between past and future, between author and recipient? At Centro Cultural Montehermoso, first venue of the project, the archive will be accompanied by an exhibition presenting 20 artists of different generations, which have been selected from the archive: EXHIBITION Oreet Ashery, Pauline Boudry & Renate Lorenz, Theresa Hak Kyung Cha, Regina José Galindo, Mierle Laderman Ukeles, Marta Minujín, Fina Miralles, Lorraine O'Grady, Tanja Ostojić, Letícia Parente, Ewa Partum, Adrian Piper, Ulrike Rosenbach, Raeda Saadeh, Zorka Ságlová, Stefanie Seibold & Teresa María Díaz Nerio, Miriam Sharon, Gabriele Stötzer ARCHIVE Helena Almeida, Eleanor Antin, Oreet Ashery, Antonia Baehr, Maja Bajević, Anne Bean, Anat Ben-David, Renate Bertlmann, Pauline Boudry & Renate Lorenz, Nisrine Boukhari, Maris Bustamante, Cabello/Carceller, Graciela Carnevale, Theresa Hak Kyung Cha, Helen Chadwick, Lygia Clark, Colette, Nieves Correa, Laura Cottingham, Lilibeth Cuenca Rasmussen, Disband, Ines Doujak, Orshi Drozdik, Yingmei Duan, Diamela Eltit, VALIE EXPORT, Factory of Found Clothes, Esther Ferrer, Rose Finn-Kelcey, Simone Forti, (e.) Twin Gabriel, Regina José Galindo, Rimma Gerlovina & Valeriy Gerlovin, Patrycja German, Ghazel, Kate Gilmore, Mona Hatoum, Sanja Iveković, Elżbieta Jabłońska, Françoise Janicot, Joan Jonas, Anne Jud, Kirsten Justesen, Kanonklubben/Damebilleder, Line Skywalker Karlström, Tina Keane, Amal Kenawy, Verica Kovacevska, Elena Kovylina, Katarzyna Kozyra, Christina Kubisch, Verena Kyselka, Nicola L, Latifa Laâbissi, Leslie Labowitz, Suzanne Lacy, Katalin Ladik, Sigalit Landau, Klara Lidén, Kalup Linzy, Natalia LL, Manon, María Evelia Marmolejo, Muda Mathis, Dóra Maurer, Mónica Mayer, Ana Mendieta, Marta Minujín, Fina Miralles, Linda Montano, Charlotte Moorman, Teresa Murak, Sands Murray-Wassink, Hannah O'Shea, Itziar Okariz, Yoko Ono, ORLAN, Tanja Ostojić, Letícia Parente, Ewa Partum, Jillian Peña, Performance Saga (Andrea Saemann & Katrin Grögel), Howardena Pindell, Polvo de Gallina Negra, Yvonne Rainer, Egle Rakauskaite, Jytte Rex, Ulrike Rosenbach, Martha Rosler, Boryana Rossa, María Ruido, Estíbaliz Sábada, Andrea Saemann, Christine Schlegel, Cornelia Schleime, Carolee Schneemann, Miriam Sharon, Bonnie Ora Sherk, Barbara T. Smith, Cornelia Sollfrank, Spiderwoman Theater, Annie Sprinkle, Gabriele Stötzer, Melati Suryodarmo, Jinoos Taghizadeh, Milica Tomić, Valie Export Society, Cecilia Vicuña, The Waitresses, Faith Wilding, Hannah Wilke, Martha Wilson, Julita Wójcik, Nil Yalter A bilingual exhibition catalogue, documenting the entire project, will be published in 2013. The project's content will also be made accessible on our website, which is intended as a research tool and will grow in sync with the ongoing exhibition and archive programme. www.reactfeminism.org re.act.feminism #2 - a performing archive is a project by cross links e.V., curated by Bettina Knaup and Beatrice Ellen Stammer Research: Kathrin Becker, Eleanora Fabião Organised in cooperation with Centro Cultural Montehermoso Kulturunea, Vitoria-Gasteiz, Spain Instytut Sztuki Wyspa, Gdansk, Poland Galerija Miroslav Kraljević, Zagreb, Croatia Museet for Samtidskunst, Roskilde, Denmark Tallinna Kunstihoone, Tallinn, Estonia Fundació Antoni Tàpies, Barcelona, Spain Akademie der Künste, Berlin, Germany The project is funded by the German Federal Cultural Foundation and ERSTE Stiftung. Additional support from cine plus, Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.) For further information please contact: artpress – Ute Weingarten | Elisabethkirchstr. 15 | 10115 Berlin Phone: +49-(0)30-21 96 18 43 | Email: artpress@uteweingarten.de or info@reactfeminism.org www.artpress-uteweingarten.de  | ||
El MUICO inicia una nueva etapa de apoyo a jóvenes creadores y presenta una visión actual del género pictórico
Miren Doiz. Vista de la instalación en el MUICO
El MUICO (Museo Colecciones ICO) estrena línea expositiva, dedicada a promocionar la labor de jóvenes artistas españoles. Le otorga así un sentido vivo a su sala de exposiciones y a sus propios fondos, que pasarán a incorporar obra de nuevos creadores. Este interesante proyecto se inicia con una muestra que lleva por título "A vueltas con la maldita pintura" y el encargado de darle forma ha sido Juan Ugalde.
Hace unos meses el artista recibió la invitación del MUICO para seleccionar a tres pintores jóvenes que fueran representativos de lo que se está haciendo en el panorama nacional. Los elegidos fueron Miren Doiz, Fernando García y Maíllo, cuyas creaciones se exhiben ahora en el MUICO en diálogo con varias pinturas de Ugalde, escogidas por ellos mismos en función de sus afinidades personales y artísticas. Del artista bilbaíno también se exhibe Gato ZZZ, una pintura de las Colecciones ICO, que marca el arranque de la exposición.
"A vueltas con la maldita pintura" supone un antes y un después en la trayectoria del MUICO de los últimos tiempos, aporta frescura al circuito de salas institucionales de la ciudad y es un buen reflejo de la variedad y complejidad del arte de nuestros días. Y para saber por qué Juan Ugalde se decidió por estos tres pintores, aquí tenemos algunas de las claves: de Miren Doiz le sorprendió la complejidad pictórica de sus intervenciones; de Fernando García le atrajeron sus experimentos y, en cuanto a Maíllo, lo que le interesó del él fue la actitud que muestra ante el lienzo y su proceso veloz y enloquecido de creación.
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| The Office for Contemporary Art Norway announces the publication of the book Whatever Happened to Sex in Scandinavia?, with a launch at Artists Space, New York on 2 December at 7pm. Whatever Happened to Sex in Scandinavia? is an anthology edited by Marta Kuzma and Pablo Lafuente that reflects upon the juncture of the political and the erotic in the 1960s and 70s, in special relation to the image of Scandinavia as a sexually and politically utopic territory during those decades. Through a close reading of the cultural and socio-political history of Scandinavia, through the writings of Wilhelm Reich, Herbert Marcuse,Norman O. Brown, Daniel Guérin, Jacqueline Rose and others, and through an examination of the obscenity bonanza that emerged around Swedish film-maker Vilgot Sjöman's I Am Curious (Yellow), the publication offers a plethora of historical material and an investigation of the political motivations behind naming a cultural form obscene and pornographic. The publication also offers material that contributes to the understanding of how the underground and cultural activism of the 1960s contributed to development of a pornography industry both in the United States and in Scandinavia. Whatever Happened to Sex in Scandinavia? is introduced by a thesis essay by Marta Kuzma, and includes writings by Susan Sontag, Herbert Marcuse, Wilhelm Reich, Jacqueline Rose, Henry Miller,Elise Ottesen-Jensen and Otto Weininger among others; visual contributions by Stan Brakhage, Marie-Louise Ekman, Dan Graham, Lee Lozano, Claes Oldenburg, Jonas Mekas, Barbara Rubin, Barbara T. Smith, Paul Sharits and Carolee Schneemann among others; fragments from periodicals such asEvergreen Review, Screw or Suck and underground journals such as Puss, Hætsjj, Aamurusko andGateavisa, many of which are reproduced for the first time in an English-language context. The anthology is published by the Office for Contemporary Art Norway and Koenig Books, London, with generous support from Fritt Ord. It will be distributed in bookstores internationally. About the launch at Artists Space As the first book launch of the anthology, the Office for Contemporary Art Norway, in collaboration with Artists Space, will screen Barbara Rubin's double-projection film Christmas on Earth, from 1963. The film will be introduced by MM Serra, Executive Director of the Film-Makers' Cooperative in New York, and screened from two overlapping projectors following the artist's original instructions. Christmas on Earth is the filmic record of an orgy that took place in a New York apartment in 1963. One of the first sexually explicit film works produced by the postwar avant-garde in the US, Christmas on Earthpremiered at the Factory under the title Cocks and Cunts, accompanied by a live performance by the Velvet Underground. Rubin, 19 when she shot the film, was described by Andy Warhol as 'one of the first people to get multimedia interest going around New York City'. Artists Space 38 Greene St, 3rd Floor NYC, NY 10013, USA The presentation in New York has been generously supported by the Norwegian Consulate General in New York and Fritt Ord.  | |||
FERIARTE 2011 abre sus puertas
FERIARTE, Feria de Arte y Antigüedades, abrirá su 35 edición el próximo sábado, 19 de noviembre, en el pabellón 4 de la Feria de Madrid (IFEMA). De esta manera, los coleccionistas y amantes del arte podrán disfrutar durante ocho días de la oferta propuesta por 120 expositores, que mostrarán sus mejores piezas antiguas para su venta directa.
Antes, mañana viernes 18 de noviembre, tendrá lugar el acto de inauguración oficial del salón con una inédita fusión entre arte y flamenco gracias a la actuación de La Moneta, una de las estrellas más brillantes del panorama del baile flamenco actual, quien realizará un espectáculo con motivo del 35 aniversario del certamen. Esta fusión entre las artes escénicas y plásticas dejará patente la proximidad entre las diferentes artes y la belleza de cada expresión, y será un modo de celebrar, igualmente, que se cumple un año desde que la UNESCO declarase el flamenco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.
Miles de objetos
Con la celebración de FERIARTE, Madrid vuelve a convertirse en el centro del mercado del arte antiguo, las artes decorativas y la pintura. Miles de objetos pertenecientes a diversos estilos, épocas y especialidades; obras singulares y exclusivas que hacen de esta feria el mejor exponente de arte antiguo y un encuentro de visita obligada para coleccionistas y admiradores. Muebles, antigüedades clásicas, pintura antigua y contemporánea, esculturas, relojes, porcelanas, lámparas, plata, cristal, arte oriental y tribal, joyas y otros objetos de arte, confirman la mejora en términos de calidad y diversificación que ha experimentado el certamen en los últimos años.
Al igual que en ediciones anteriores, el valor de cada objeto presente en FERIARTE, su autenticidad y estado de conservación están contrastados por una comisión de cerca de 50 expertos en distintas disciplinas del arte que en los días previos a la apertura de la feria se encargan de su revisión exhaustiva. Este rigor, que confirma la calidad de las piezas expuestas, confiere exclusividad a la feria y asegura a los visitantes la distinción de sus adquisiciones. El lujo se combina con el arte y la decoración para ofrecer objetos y piezas excelentes.
Piezas favoritas
Como novedad, FERIARTE invita a hacer un recorrido por la Feria a través de las Piezas Favoritas, una nueva iniciativa que reúne una selección de objetos destacados por los propios expositores participantes, y que serán expuestos en sus stands con una marca que los identifique.
Así, la excepcionalidad artística, la singularidad y la rareza de la antigüedad son los valores fundamentales tenidos en cuenta para la realización de esta selección. Pinturas, esculturas, objetos de coleccionista, mobiliario o joyas; las piezas favoritas son tan variadas como la oferta general de FERIARTE, pero, además, cuentan con un valor añadido identificado por quien mejor conoce la obra: el anticuario o galerista.
Madrid. FERIARTE. Feria de Arte y Antigüedades. IFEMA (Feria de Madrid).
Como novedad, FERIARTE invita a hacer un recorrido por la Feria a través de las Piezas Favoritas, una nueva iniciativa que reúne una selección de objetos destacados por los propios expositores participantes, y que serán expuestos en sus stands con una marca que los identifique.
Así, la excepcionalidad artística, la singularidad y la rareza de la antigüedad son los valores fundamentales tenidos en cuenta para la realización de esta selección. Pinturas, esculturas, objetos de coleccionista, mobiliario o joyas; las piezas favoritas son tan variadas como la oferta general de FERIARTE, pero, además, cuentan con un valor añadido identificado por quien mejor conoce la obra: el anticuario o galerista.
Madrid. FERIARTE. Feria de Arte y Antigüedades. IFEMA (Feria de Madrid).
Del 19 al 27 de noviembre de 2012.
http://www.hoyesarte.com/exposiciones-de-arte/en-cartel/10375-el-cgac-expondra-a-jeff-wall.htmlJeff Wall expone en el CGAC El canadiense Jeff Wall (Vancouver, 1946), considerado uno de los fotógrafos más influyentes de los últimos decenios, es el protagonista de una gran exposición que abre sus puertas hoy sábado, 12 de noviembre, en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC) de Santiago de Compostela.Desde finales de los años setenta, Wall –con sus fotografías de gran formato colocadas en cajas de luz– se propuso redefinir los paradigmas de la fotografía. Desde los inicios de su carrera, sus imágenes –con sus alusiones a la historia del arte y más concretamente a la pintura clásica– reflejan su convicción de que es posible mantener una cierta continuidad incluso dentro de los cánones del modernismo y su postulado de que es posible pintar la vida moderna. Íntimas interconexiones La exposición, titulada The Crooked Path, examina el contexto que propició el desarrollo de la obra de Wall y, a través de una amplia selección tanto de sus obras como de las de otros artistas, aspira a recorrer la trayectoria de sus preocupaciones estéticas. El proyecto explora, además, las íntimas interconexiones entre el proceso creativo del artista y las influencias e indagaciones que marcaron dicho proceso. Estas influencias fueron pictóricas, fotográficas, cinemáticas, literarias y documentales, y se sumaron a las posiciones teóricas adoptadas por el propio Wall. La exposición pretende mostrar tanto la lógica interna de su trabajo como las experiencias estéticas que guiaron sus decisiones y el conjunto de su obra.  En la muestra se aborda una gran diversidad de temas que resultan esenciales en su obral: el minimalismo y la relación con la escala, la fotografía histórica, la fotografía conceptual y posconceptual, la literatura, la fotografía documental, etc. Para ilustrar estos temas, el propio artista ha escogido 25 de sus obras, que van desde los años setenta hasta la actualidad y que integran el núcleo de la exposición. Diferentes asociaciones Estas obras están expuestas de manera que se establezcan asociaciones específicas con otros tantos trabajos seleccionados por el comisario de la muestra, Joël Benzakin, y por el propio Jeff Wall. Así, los visitantes pueden comparar las obras de este último con las de otros artistas históricos y contemporáneos, como Marcel Duchamp, Diane Arbus, Eugène Atget, Bill Brandt, Walker Evans, Robert Frank, Helen Levitt, Wols, Heinrich Zille, y con artistas de la propia generación de Jeff Wall, incluyendo a Frank Stella, Bruce Nauman, Dan Flavin, Robert Smithson, Dan Graham y Douglas Huebler, entre otros, así como con los trabajos de un grupo de artistas más jóvenes. Por todo ello, The Crooked Path ofrece al espectador una extensa panorámica de las relaciones, conexiones, sugerencias y oposiciones existentes entre cerca de 130 obras de arte. Santiago de Compostela. Jeff Wall. The Crooked Path. CGAC (Centro Gallego de Arte Contemporáneo). Del 12 noviembre de 2011 al 26 de febrero de 2012. Comisario: Joen Benzakin.
Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA) Latifa Echakhch, "À chaque stencil une révolution," 2007. View of the installation at the "Speakers' corner", Tate Modern, Bankside, London, 2008.* | |||||||||||||||||||||||||||||||||
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Volume! Works from the Collections of "la Caixa" Foundation and MACBA 9 November 2011–23 April 2012 Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA) Plaça dels Àngels, 1 08001 Barcelona www.macba.cat Curator: Bartomeu Marí. Head of the MACBA Collection: Antònia Maria Perelló. With the collaboration of Nimfa Bisbe, Director of "la Caixa" Foundation Contemporary Art Collection. The Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA) presents the first collaborative exhibition combining works from the Collection of "la Caixa" Foundation and the MACBA Collection, as a result of an agreement between "la Caixa" Foundation and the MACBA Foundation. Volume! proposes an itinerary running from the sculptural to the acoustic dimension. This itinerary, focused on the turn of the twentieth to twenty-first century, illustrates the consolidation of sound and voice as materials for artistic production. Noteworthy therein are a series of specific developments presented as individual and separate exhibitions which viewers shall come upon during their visit of the Collection. Such is the case in the chronological sections of the MACBA Collection, the recently acquired works by Muntadas, Šejla Kamerić and Anri Sala, and the revision of the work of Aleksandr Sokurov, which shall be open as of February 2012. The new model is rooted in experimental projects that turn to the media of cinema and video, practices that favour a narrative language that gradually frees itself from the image. The origins of this transformation can be found in Dadaist phonetic poetry from the early twentieth century, and in thepoésie sonore and Lettrist experiments that followed the Second World War. More recently, as well as the reflections of theoreticians such as Roland Barthes and Mladen Dolar, whose contributions steered the visual arts toward a sudden attention to sound, we have had the new technological possibilities for recording, altering and reproducing the voice. The relationship between voice and image, vocal experimentation, the inner voice and the voice of power, are some of the approximations to the human voice that can be found in this exhibition. Echoing the formal and material innovations introduced by the historic avant-gardes in the early twentieth century, contemporary art has dethroned the eye as the hegemonic sense and reinstated auditory perception. The white cube, that 'machine for looking' associated to an idea of the museum as inherited from the past, is showing its age. The viewers have acquired a near-choreographic quality and outstripped its limits through a multiplicity of experiences. The three-dimensional nature of the Euclidean volume (from classical physics) has been replaced by the volume of sound and voice. This change in material has yielded radical changes in the perceptive system and in behaviour, so that, based on the convention dominated by what is visual, we can begin to narrate a history of art with a new multi-sensorial dimension. The itinerary proposed by this exhibition puts forward a circular diagram that connects the different Museum levels. From a chronological point of view, the itinerary begins at Level 1, branching out from there in two directions: one leading from the visual space of painting and photography toward sculptural volume, further developed on Level 2; and another leading to acoustic volume, developed to a greater extent on Level 0. Activities 21 November, 19 December and 19 January, at 7 pm Special guided tours by Bartomeu Marí, curator of the exhibition and Director of MACBA, and Antònia Maria Perelló, Head of the MACBA Collection (Exclusive to the Friends of MACBA) Museum galleries. Limited places Daily guided tours (included in the admission fee) Further information www.macba.cat and Twitter Opening times Weekdays, 11 am to 7.30 pm Saturdays, 10 am to 8 pm Sundays and public holidays, 10 am to 3 pm Closed Tuesdays (except public holidays) Open Mondays 25 December and 1 January, closed
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s acontecimientos presentes pero no visibles, que oímos pero no vemos”, explica Soledad Sevilla.
Soledad Sevilla se dio a conocer al formar parte del Seminario del Centro de Cálculo de Madrid (1969-71), en el que un grupo de artistas experimentaron con la generación automática de formas plásticas. En sus inicios, realizó una pintura geométrica y seriada en la que se puede reconocer el germen de las estructuras geométricas con las que trabaja en la actualidad y que cuentan con formas más libres, pero basadas en un riguroso análisis técnico. En estas obras, se aprecian también ciertos aspectos ambientales muy destacados en su etapa pictórica de los años ochenta: pinturas de alta densidad cromática en las que consigue una difícil combinación entre la reducción formal y la riqueza sensorial. A
partir de ambas experiencias, la geométrica y la óptica, la artista ha evolucionado hacia una obra más compleja y radical que se sitúa en la frontera entre la escultura, el paisajismo y la arquitectura.
partir de ambas experiencias, la geométrica y la óptica, la artista ha evolucionado hacia una obra más compleja y radical que se sitúa en la frontera entre la escultura, el paisajismo y la arquitectura.
La artista realizó estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Jorge (Barcelona) y en la Universidad de Harvard (Estados Unidos). Durante su carrera ha recibido diversos galardones, como el Premio
Nacional de Artes Plásticas (1993) y la Medalla al mérito de las Bellas Artes (2007). Su obra está presente en los principales museos y colecciones españolas (IVAM, ARTIUM, Fundación March, Fundación La Caixa…) y, recientemente, el Museo Reina Sofía ha adquirido un importante corpus de obras de su primera época geométrica. El Parque del Retiro no es ajeno a su trabajo. En 1994, el Centro Nacional de Exposiciones presentó, en el Palacio de Velázquez, una retrospectiva que incluía las instalaciones La habitación de la lluvia; La que recita la poesía es ella. Humo; La que recita la poesía es ella. Fuego y Que su cante me lastima.
s acontecimientos presentes pero no visibles, que oímos pero no vemos”, explica Soledad Sevilla.Nacional de Artes Plásticas (1993) y la Medalla al mérito de las Bellas Artes (2007). Su obra está presente en los principales museos y colecciones españolas (IVAM, ARTIUM, Fundación March, Fundación La Caixa…) y, recientemente, el Museo Reina Sofía ha adquirido un importante corpus de obras de su primera época geométrica. El Parque del Retiro no es ajeno a su trabajo. En 1994, el Centro Nacional de Exposiciones presentó, en el Palacio de Velázquez, una retrospectiva que incluía las instalaciones La habitación de la lluvia; La que recita la poesía es ella. Humo; La que recita la poesía es ella. Fuego y Que su cante me lastima.
Esta exposición coincide con el Festival Miradas de Mujeres (Mujeres en las Artes Visuales)
www.museoreinasofia.es
La Galería Fernando Pradilla presenta la segunda exposición individual del artista Moisés Mahiques (Quatretonda, Valencia, 1976). “Double-blind” es el título de este proyecto expositivo bajo el que se agrupa una selección de dibujos sobre papel negro y dos animaciones en bucle que se proyectan en la segunda sala de la galería.
Double-blind hace alusión a los experimentos a ciegas, en los que los individuos participantes desconocen si pertenecen al grupo experimental o al grupo de control del ensayo clínico. El propósito es eliminar o disminuir la posibilidad de que los resultados se vean afectados por cualquier sesgo subjetivo en el análisis o por la influencia de los prejuicios conscientes o inconscientes. Moisés Mahiques parte de estas premisas para, una vez más, indagar y reflexionar sobre el individuo contemporáneo y su contexto, sus conflictos e incapacidad para integrarse en un entorno que cada vez se le torna más incomprensible y complejo, su enajenación de un sistema del que ya no conoce los resortes que lo regulan y estructuran. El grado de incertidumbre actual “familiariza” al individuo con un galimatías de términos “modernos” en los que controles de riesgo empresarial, incentivos a la contratación, crisis financiera, activos tóxicos, entre otros muchos, le van conduciendo a una ceguera por saturación, a la imposibilidad de reconocer la realidad en la que está inmerso, a anestesiar su sensibilidad, a negarse, en definitiva, a desempeñar su verdadero rol.
La exposición se estructura en 3 grupos de piezas, perfectamente integradas en un todo indivisible. Por una parte, están los Dibujos de Espacios, que a diferencias de los de su anterior exposición Sweet Illness, en los que las composiciones flotaban en esos espacios blancos e indefinidos, en esta ocasión, se concretan en interiores o exteriores más acotados. Con este propósito, el artista ha examinado documentación sobre modelos y sistemas, sobre diferentes espacios y lugares que han terminado abocados al abandono y el olvido.
Los dibujos “Snowball” son el siguiente bloque de la exposición, y en estos dibujos, concebidos como composiciones circulares, se alude a ese concepto de la bola de nieve, que en su progresivo aumento va convirtiendo algo, en un inicio, inocente y lúdico en un verdadero problema, que a medida que se complica, empeora más su situación.
Las dos animaciones en bucle: “Rinoestereotipia” y “Ojoestereotipia”, parten de los comportamientos que se generan como respuesta a las estereotipias, esa repetición involuntaria e intempestiva de un gesto, movimientos o palabras, generalmente de los miembros superiores y del tronco, que se produce en ciertas demencias o como síntoma común en algunos tipos de esquizofrenias. Las estereotipias y los comportamientos obsesivos pueden ser leídos como una necesidad de estructurar algo para que sea estable, para que no desaparezca, que no se disuelva. Se ha llegado a determinar que se trata de una forma de respuesta a una situación o contexto que no se comprende y que genera estrés en los sujetos.
Esa sensación de inadaptabilidad, de descontextualización y de distancia que se establece entre la realidad que sentimos y la que percibimos es la que impregna gran parte de la obra de Moisés Mahiques, y que con esta exposición se ve nítidamente definida.
CLAUDIO COELLO, 20 MADRID 28001 (Spain) - Tel: (+34) 91 575 4804 - Fax: (+34) 91 577 6907 - Email: gfp@galeriafernandopradilla.es
